Child of Dust (Weronika Mliczewska) Polonia

Child of Dust
Weronika Mliczewska
Polonia. 2025. 93 min

Sang es uno de los innumerables niños que los soldados estadounidenses dejaron atrás después de la guerra de Vietnam: no deseados, discriminados y marcados por una guerra que se llevó a algo más que a su padre. Cuando Sang localiza inesperadamente a su padre gravemente enfermo en los EE. UU., decide reunirse con él, aunque tenga un precio. La única manera de satisfacer esta necesidad es mudarse a los Estados Unidos de forma permanente, dejando atrás a su amada esposa, hija y nieto. En esta tierra extranjera, lucha por encontrar su lugar, no sólo en una sociedad que lo ve como un extraño sino también dentro de una familia estadounidense que nunca supo de su existencia. Las barreras culturales chocan cuando el pasado alcanza al presente de la forma menos esperada.

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Oda a Shyam Babu: un cineasta feminista

Una mirada superficial a la obra de Shyam Benegal, y uno se queda con dos puntos destacados. En primer lugar, todas sus películas defienden los derechos de las mujeres en una intersección de clase, casta y religión y sus principales obras coincidieron con el surgimiento y proliferación de movimientos feministas en la India y en segundo lugar, habló en gran medida sobre la lucha cotidiana de las personas marginadas. En 1974, cuando se estrenó su primera película contundente, Ankur (1974), el mundo fue testigo del nacimiento de la segunda ola del feminismo que reivindicaba la igualdad de derechos de las mujeres en todas las esferas de la vida. En la India, los movimientos por los derechos de las mujeres aparecieron tarde. Y, afortunadamente, coincidió con algunas de las películas sorprendentemente brillantes que se estaban haciendo en defensa de la liberación de la mujer. En los años en los que vio surgir a una joven enojada en películas como Zanzeer (1973) y Deewar (1975), Benegal se mantuvo fiel a las raíces al resaltar los problemas reales de la India, sin camuflarlos ni retratarlos melodramáticamente.

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Searching for The Band (Musa AK, Hasan Basri Ozdemir) Turquía

Searching for The Band
Musa AK, Hasan Basri Ozdemir
Turquía. 2024. 74 min

El documental cuenta la historia de la Orquesta de Chicas de Eroğlu, fundada en 1968 como la primera orquesta de chicas en Turquía y que ganó gran popularidad al aparecer en programas de radio y televisión en TRT y en artículos periodísticos en la década de 1970, y cómo Cenk Eroğlu y el proceso de hacer música las reunieron nuevamente. Cuenta la historia de los artistas de la época, la comprensión de la música y el arte, la evolución social y las vidas pasadas de los personajes de una manera que entrelaza sus vidas presentes y pasadas.

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El coste de la salvación: revisando Sadgati de Satyajit Ray a través de una mirada dalit

Por Aparna Ajith

La literatura es la manifestación última de lo que uno ha visto, sentido y experimentado. También comparte las experiencias de quienes viven al margen de la sociedad. Las jerarquías y las discriminaciones planteadas por el sistema Chaturvarnya tratan a algunas personas como personas humildes que ocupan un estatus subalterno. La estética y las expresiones de los dalits se han ganado un lugar conmovedor en los géneros de la literatura y el cine. Incluso la literatura y el cine tienden a abordarlos como productos creativos, prestando atención a la acuñación de los dalits. Históricamente, la representación de los dalit en el cine indio ha sido moldeada por cineastas de castas superiores, lo que ha dado lugar a narrativas que a menudo representan a los dalit como víctimas más que como agentes de cambio. Si bien Bollywood ha ignorado en gran medida las realidades de las castas o ha reducido a los personajes dalit a roles estereotipados, el cine paralelo, en particular las obras de cineastas como Satyajit Ray, intentó abordar la opresión de las castas de manera más realista y crítica. Este artículo examina la representación de los dalit en el cine indio, centrándose en la exploración de las castas por parte de Ray en la película Sadgati (1981).

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Ky Nam Inn (Leon Le) Vietnam

Ky Nam Inn
Leon Le
Vietnam. 2025. 140 min

Diez años después de la guerra, Saigón todavía se encuentra en medio de la reconstrucción. La viuda Ky Nam dirige un pequeño restaurante en un complejo de viviendas comunales, donde los residentes comparten un patio central y conocen cada detalle de la vida de los demás. Ha adoptado y está criando a Su, un niño mestizo franco-vietnamita. Un día, Khang, un joven que traduce El Principito de Saint-Exupéry al vietnamita, se muda a la unidad de arriba. Con su origen privilegiado y su encanto natural, es natural que llame la atención de quienes lo rodean. Sin embargo, desde el primer día, Khang se siente gradualmente atraído por Ky Nam, quien una vez lo salvó de una crisis. Lo más destacado de esta película, que evoca la ternura de una romántica acuarela, es la última secuencia en la que los dos caminan por las calles de Saigón toda la noche, representando un onírico ritual de despedida. Llevada por la narración del joven, la escena deja su historia compartida suspendida en un presente eterno.

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Hirokazu Koreeda, Premio Honorífico en Imagineindia 2026

El director japonés recibirá el Premio de Honor en la 25ª edición del Festival que se celebrará en Madrid del 1 al 16 de septiembre de 2026.

Hirokazu Kore-eda (nacido el 6 de junio de 1962) es un director de cine, productor, guionista y editor japonés. Comenzó su carrera en televisión y desde entonces ha dirigido más de una docena de largometrajes, entre ellos Nobody Knows (2004) y Still Walking (2008).

Ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de 2013 por De tal padre, tal hijo y la Palma de Oro en el Festival de cine de Cannes de 2018 por Shoplifters.

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Historia en la pantalla: las narrativas engañosas de Bollywood

Por Shalmali Mali

Bollywood, como la industria cinematográfica más influyente de la India, desempeña un papel importante en la configuración de la percepción pública de la historia. Si bien las películas históricas tienen el potencial de educar al público y revitalizar las narrativas históricas, con frecuencia comprometen la exactitud de los hechos en favor de la dramatización, el sentimiento nacionalista o la viabilidad comercial. Esta convergencia de entretenimiento y representación histórica plantea preocupaciones críticas con respecto a la integridad historiográfica, la memoria colectiva y el impacto social. Un ejemplo convincente de tal distorsión es Jodhaa Akbar (2008), que construye un retrato romántico de la supuesta relación del emperador mogol Akbar con la princesa Rajput Jodhaa Bai. A pesar de su grandeza visual, la película ha sido ampliamente analizada por su tenue fundamento histórico, y los estudiosos cuestionan la existencia real de Jodhaa. De manera similar, Padmaavat (2018) dramatiza la leyenda de Rani Padmavati, reforzando las tropas islamófobas a través de su caracterización de Alauddin Khilji como un invasor antagónico. Tanhaji: The Unsung Warrior (2020) también ha enfrentado críticas por exacerbar las divisiones religiosas, enmarcando los conflictos entre Mughal y Maratha de una manera que se alinea con las narrativas ideológicas contemporáneas.

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Raindrops on The Roof (Zhou Jiali) China

Raindrops on The Roof
Zhou Jiali
China. 2025. 106 min

La madre soltera Shi’ning visita un “salón espiritual” por curiosidad y se une a una actividad grupal que promete borrar el pasado. A primera vista, sólo Shi’ning parece estar obsesivamente apegada a la pérdida y el trauma que ella, sus tres hermanos y su madre experimentaron. Pero en realidad, la vida cotidiana suele ser dura también para su madre y su hermano menor, Shi’an. Imágenes ordinarias, como un calcetín naranja colgado en el tendedero, un armario donde se esconde un niño, un maniquí desnudo o un suéter viejo, desencadenan dolorosos recordatorios de un trauma tanto personal como histórico para esta familia. El primer largometraje de Zhou Jiali, Gotas de lluvia sobre un tejado, sugiere que lo que importa no es recortar recuerdos como fotografías quemadas, sino sacar a la luz el dolor y enfrentarse unos a otros, de forma muy parecida a como la familia trabaja junta para restaurar el suéter barato y encogido de su madre.

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Fue sólo un accidente: la anécdota crítica de Jafar Panahi

Por Pradip Biswas

Fue sólo un accidente no es una película sino una declaración contra la violencia y la tortura islámicas utilizando el código religioso. Se trata de una modalidad peligrosa que rige a todo Irán bajo una chispa gobernante de patrón islámico. El atrevido trabajo de Jafar Panahi se considera un «tenso thriller de venganza». Lógicamente, el poder de la película influyó en el Jurado para darle la Palma de Oro sin amenazas ni miedos; fue un veredicto espontáneo a favor del humanismo global, lo que lo convirtió en el favorito para llevarse el máximo premio de Cannes, la Palma de Oro. La película tiene una duración de 1h 41min.

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Susana Fialho, jurado en Imagineindia

Susana Fialho Mota, nacida en Lugo ( Galicia ) de origen portugués. Se formó como actriz en el Colegi del Teatre (Barcelona ) y en el Laboratorio de Teatro de William Layton (Madrid ). Comenzó a trabajar en el Teatro con tan solo 16 años y con 18 se inscribió formalmente en estas dos escuelas de Arte Dramàtico , que son de las más importantes y prestigiosas de España. Al finalizar sus estudios comenzó a trabajar en series de TV y en Teatro al mismo tiempo que debutaba en el Cine de la mano de Albert Boadella, un reconocido Director teatral que realizaba un atrevido proyecto Cinematográfico con su grupo de teatro ( Els Lloglars ) . Al poco tiempo volvería a trabajar con otro conocido Director, Sigfrid Monleòn, en una película sobre el poeta y escritor Jaime Gil de Biedma.
Una película coral donde Susana tendría un papel importante.

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