Entrevista a Sally McLean

“Soy una gran creyente en hacer lo que amas y desafiarte lo máximo posible”,  la australiana Sally McLean habla sobre todas las cosas increíbles.

Soy una gran creyente en que el arte puede cambiar las mentes y, por tanto, el mundo. Estoy infinitamente fascinada por la condición humana y lo que hacemos para lidiar con el trauma. Y, sin embargo, también soy una optimista eterna y aún así elijo ver lo bueno en los demás y en el mundo, que espero no perder nunca.

Comencemos con tu historia. ¿Podrías contarnos sobre tu infancia, tus años de crecimiento y trabajo y tu educación, en la medida en que informa del trabajo que realizas actualmente?

Crecí en Victoria, Australia, en una ciudad costera llamada Seaford, antes de mudarme a otra ciudad costera llamada Mornington en mi adolescencia. Mis padres se divorciaron cuando yo tenía 4 años, así que pasé la mayor parte de mis años formativos viviendo con mi madre y mis abuelos y mi hermano menor en la casa de mis abuelos, que también había sido el hogar familiar de mi madre. Toda la familia era bastante musical y mi madre y mi abuela siempre habían tenido interés en las artes. Aprendí piano desde los 5 años y tomé clases de canto desde los 15 años, pero actuar me ganó el corazón desde el principio y siempre fue mi principal interés.

Cuando crecía allí no había muchos niños en la calle en la que vivíamos, así que la mayor parte de mi interacción con mis compañeros fue a través de la escuela. Fuera del horario escolar, pasé mucho tiempo con adultos, pero mi abuela tenía la filosofía de que los niños debían ser “vistos pero no escuchados”, así que pasé bastante tiempo sola, inventando historias, inventando personajes y pasando tiempo en el enorme jardín que mis abuelos tenían alrededor de la casa, perdida en mi imaginación. Esto me llevó a inventar obras de teatro que hice que mi hermano y mis primos actuaran para la familia en las reuniones familiares (¡lo que estoy segura es que los volvió locos a todos!). Naturalmente, siempre desempeñé el papel principal y fui directora y escritora, ¡así que creo que comencé mi carrera creativa muy temprano!

Cuando llegué a la escuela secundaria, mis abuelos habían fallecido y mi madre, mi hermano y yo nos mudamos a Mornington, en una calle llena de niños, fue genial. Pasé mis primeros años de adolescencia siendo una niña normal : trepando a los árboles, montando en bicicleta, atrapando renacuajos en las presas de las granjas locales, pasando el rato en la playa, las actividades habituales de los niños australianos en una ciudad rural / costera. Ese fue un momento bastante idílico.

Tuve la suerte de tener una familia diversa y estar rodeada de personas de diferentes orígenes. Nuestros amigos familiares más cercanos eran griegos, otro era aborigen, uno de mis tíos es indio, tengo un primo con Síndrome de Down y tenemos casi todas las creencias religiosas desde musulmanes, católicos hasta el budismo, y algunas otras, entre mis familia inmediata y extendida, quienes logran llevarse bien a pesar de sus diferentes afiliaciones religiosas.

Yo no soy particularmente religiosa, a pesar de haber sido educada en la Iglesia de Inglaterra, tal vez porque me di cuenta por contacto con todas estas diferentes creencias y filosofías de que esencialmente están hablando de la misma cosa y posiblemente del mismo Dios, entonces ¿por qué estar afiliada a un único dogma? También me expulsaron de la escuela dominical a los siete años, por hacer demasiadas preguntas difíciles y llamar a Jesús un mago (que era la única explicación que me parecía lógica de cómo hizo lo de los panes y los peces), por lo que también podría haber influido sobre ¡mi postura actual sobre las creencias religiosas!

Mi abuela solía hacer mucho trabajo de caridad, no solo trabajando en comités, sino también siendo voluntaria en el campo y protestando: era una gran activista. Supongo que toda esta influencia y exposición a diferentes personas, creencias y comunidades me ha convertido en una especie de activista, principalmente a través de mi trabajo, particularmente mi escritura. Soy una gran creyente en que el arte puede cambiar las mentes y, por lo tanto, el mundo. Estoy infinitamente fascinada por la condición humana y lo que hacemos para lidiar con el trauma. Y, sin embargo, también soy una optimista eterna y aún así elijo ver lo bueno en los demás y en el mundo, que espero no perder nunca.

Tu vida como actriz, ¿cuándo comenzó, qué te atrajo al escenario?

Cuando tenía cuatro años, mis abuelos dejaron que uno de los grandes dramas televisivos de Australia en ese momento se filmara en su propiedad por un día. Recuerdo haber estado acostada en nuestra sala de estar, que tenía amplias ventanas, asomándome por debajo de las cortinas, mirando la película del elenco y el equipo, todo el día (filmaron afuera y tuvimos que quedarnos adentro para no arruinar las tomas). Estaba absolutamente paralizada, fascinada por toda la actividad (era un drama criminal y tenía actores con uniformes de policía, un automóvil robado en nuestro gran jardín, un arresto y muchas otras acciones). Después, me dijeron que anuncié que iba a ser actriz o policía (no tengo un recuerdo claro de esa parte, ¡pero sí recuerdo que pensaba que actuar parecía muy divertido!). Esa fue mi primera exposición a la actuación.

Un amigo de mi abuela era el artista estadounidense, Tommy Hanlon Jr., que solía venir a nuestra casa regularmente con su esposa, Murphy. Tommy había establecido una carrera en los EE. UU. Antes de ser invitado a Australia, trabajando con Frank Sinatra, Sammy Davis Jr, Dean Martin y todos esos tipos  “mocosos” de los años 50 y 60. Se convirtió en presentador de televisión en Australia y continuó su carrera de comedia, además de ser dueño de uno de nuestros grandes circos, donde también era maestro de ceremonias y payaso.

Tenía unos siete años cuando me permitieron ir a las bambalinas del circo para ver cómo era, lo que fue fascinante para mí. Recuerdo estar sentada en el banco al lado del espejo en el vestidor, viendo al tío Tommy transformarse en un payaso. Tommy siempre fue un hombre muy callado. Recuerdo verle ponerse el maquillaje de payaso y literalmente transformarse en un personaje extrovertido, divertido y ruidoso ante mis ojos. Fue en ese momento que decidí que definitivamente quería ser actriz, porque me di cuenta de que el trabajo significaba que podía ser quien quisiera ser. También me dediqué al payaso y al vodevil por un tiempo en mi carrera, que sé que fue el resultado directo de la influencia de Tommy.

Cuando tenía nueve años, mi madre había asumido el cargo de directora de una compañía de teatro juvenil en gira. La molesté para poder unirme, pero tenías que tener diez años y estaba totalmente en contra del nepotismo, así que tuve que esperar un año antes de poder ser parte de la compañía. A los diez años finalmente pude unirme y fui miembro durante siete años. Ensayamos cada dos fines de semana, organizando un programa de variedades para obras de caridad un par de veces al año. Todos los miembros tenían que cantar y tener otra habilidad de actuación. Estaba estudiando danza, así que inicialmente estuve en la compañía de danza de la compañía. Más tarde, me mudé a la compañía de teatro, y eso fue todo. Sabía que actuar era definitivamente para mí.

Recorrimos el país, Victoria, Nueva Gales del Sur y Australia Occidental, actuamos en grandes festivales y eventos, como Adelaide Fringe y FEIP (Free Entertainment In the Park), Melbourne Royal Show, Moomba Parade, Arts Centre Melbourne, Sidney Myer Music Bowl y uno de los más grandes: nuestra gira europea que cubrió Suiza, Holanda y el Reino Unido. En ese momento, tenía 15 años y decidí que era hora de tomarme en serio la actuación, así que conseguí un agente de actuación y me mudé a hacer teatro y musicales locales. Casi al mismo tiempo, también comencé a trabajar en la pantalla: mi primer papel en la televisión fue un par de años más tarde en un icónico drama de televisión australiano, “The Flying Doctors”.

Como actriz, ¿cómo haces para navegar a través de los roles que estereotipan y objetivan a las mujeres, al menos hasta que no comenzaste a dirigir tú misma?

Tengo que decir que no hay nada en mi CV que considere estereotipos u objetivar a las mujeres: simplemente interpreto a seres humanos que resultan ser mujeres (y un par de veces, hombres) en cualquier circunstancia en la que se encuentren. En el pasado, rechacé papeles que sentí que mostraban a las mujeres bajo una luz malsana. Un ejemplo sería un par de roles que tenían desnudos gratuitos sin una buena razón aparte de tener a una mujer desnuda en la pantalla para el factor de excitación, que no tenía nada que ver con la historia. Les dije que no. También rechacé contratos con cláusulas de desnudez que los productores no estaban preparados para negociar. Dicho esto, he hecho desnudos en la pantalla, pero solo si tiene sentido en la historia. Algunos podrían decir que mi carrera como actriz sufrió debido a esta actitud, pero si no puedo justificar las acciones de un personaje, entonces no puedo interpretarlo con sinceridad y eso significa que no puedo hacer mi trabajo correctamente.

He interpretado a mujeres que algunas podrían encontrar un “estereotipo” – personajes que podrían describirse en el guión como “la perra”, “la víctima”, lo que sea, pero mi trabajo como actriz es ignorar esas etiquetas, averiguar qué hace esa persona, por qué son como son y luego juegan con sinceridad. Cavar debajo de la superficie y no jugar con la idea de ellas, sino con ese individuo en particular con todas sus peculiaridades y capas, lo que con suerte lo saca del estereotipo y lo convierte en un ser humano tangible. Pero la razón por la que existen los estereotipos en el cine y en el escenario es porque existen en la vida, por lo que todo lo que un actor puede hacer es capturar la humanidad del personaje y darle al público algo con lo que relacionarse y conectarse. Nuestro trabajo es “sostener el espejo” ante la sociedad y mostrar a las personas en todo su esplendor y su vergüenza, incluso si no quieren verlo.

¡No hay una belleza estándar para las mujeres (ni debería haberla) y definitivamente no hay una forma perfecta del cuerpo y desearía que superemos esta obsesión poco saludable con la forma femenina! No es bueno para nuestras jóvenes por ahí tener la impresión de que una mujer solo es valiosa si puede caber en un traje de talla 0. Cuanto antes podamos abandonar esta obsesión, mejor.

Hay una prima innecesaria dada a los tipos de cuerpo de las mujeres, cierto tipo que es deseable, y los otros, de alguna manera, no tanto. ¿Te gustaría comentar sobre la obsesión con este “cuerpo perfecto”?

¡No hay cuerpo perfecto! ¡Solo tiene que mirar la historia fotográfica de cualquier revista femenina para ver eso! ¡La “forma femenina perfecta” que era popular en la década de 1960 se volvió impopular en la década de 1980 y lo que era popular en la década de 1980 es impopular ahora! También es diferente de un país a otro en un momento dado. ¡No hay una belleza estándar para las mujeres (ni debería haberla) y definitivamente no hay una forma perfecta del cuerpo y desearía que superamos esta obsesión poco saludable con la forma femenina! No es bueno para nuestras jóvenes por ahí tener la impresión de que una mujer solo es valiosa si puede caber en un traje de talla 0. Cuanto antes podamos abandonar esta obsesión, mejor. Esto también se aplica a las formas corporales de los hombres: cada persona es diferente y las personas encuentran diferentes formas corporales atractivas, por lo que nunca hará felices a todos. ¡Perfecto no existe! Mientras estés en forma, saludable y feliz en tu propia piel, tendrás el “cuerpo perfecto” para ti. ¡Fin de la historia!

De la actuación, ¿hubo un momento decisivo en el que decidiste dedicarte al cine?

Fui a la escuela de teatro en Londres, y parte de nuestro entrenamiento allí cubrió la idea de crear tu propio trabajo como actor después de la graduación. Por lo tanto, nos alentaron activamente a mirar la escritura, la dirección y la producción, así como la actuación para apoyar nuestra carrera de actuación. He sido una poetisa, publicado desde los 15 años, por lo que naturalmente gravité hacia la escritura como mi primer papel creativo fuera de la actuación. Por lo tanto, escribí mi primer guión de cine directamente de la escuela de teatro, que también terminé produciendo y actuando. Un año después, tuve mi primera película “A Little Rain Must Fall”, de 43 minutos y se lanzó en Ealing Studios, Londres.

Antes de la escuela de teatro y de escribir y producir esa película, también trabajé para la BBC en Londres en producción, así que trabajé con algunos directores y productores increíbles que estaban haciendo cosas extraordinarias en la pantalla, lo que significaba que tenía una ventaja. Comprender la producción cinematográfica detrás de escena más que la mayoría de los actores. Creo firmemente que los actores deberían tener alguna experiencia de cómo es trabajar detrás de escena para comprender cómo funciona toda la máquina y qué significa realmente su lugar en ella. Claro, son importantes, pero no más importantes que el director de producción o el director de fotografía, por ejemplo. Todos formamos parte de un equipo que intenta crear algo y todos deben recordarlo.

¿Podrías hablar sobre tu experiencia de pasar al cine desde el teatro? ¿Fue suave? ¡Algunos veteranos lo considerarían un sacrilegio!

Siempre he actuado en cine, televisión y teatro, casi todo a la vez. Comencé en el teatro musical, luego pasé a las obras de teatro, lo que hice junto a aparecer en la televisión, y finalmente comencé a hacer películas. Por lo tanto, nunca he visto esos medios como separados: son todas plataformas diferentes para manejar el arte de la actuación.

Se necesitan diferentes conjuntos de habilidades, eso es seguro, pero comencé como lo que se conoce como una “triple amenaza” (actor / cantante / bailarín), por lo que podría pasar con relativa facilidad de uno a otro y viceversa. ¿Fue una transición suave? Bueno, el teatro musical para mover a la pantalla a menudo se ve como difícil, pero es por eso que entrenas. Aunque me gradué de la escuela de teatro hace mucho tiempo, todavía tomo clases para mantener mis habilidades afiladas y mantenerme enfocada. Fui a la escuela de teatro para aprender cómo adaptar la actuación teatral al trabajo de pantalla. Todavía usas las mismas habilidades básicas, solo que de una manera ligeramente diferente. Y nunca debes dejar de aprender. Soy un gran defensor de las creatividades para seguir aprendiendo, seguir creciendo, seguir mejorando. De lo contrario, ¿por qué hacerlo? Si quieres ser lo mejor que puedas ser, y versátil en tu trabajo y donde puedes trabajar, entonces nunca debes dejar de aprender.

Además, en Australia, nuestras industrias de teatro, televisión y cine no son lo suficientemente grandes como para apoyar a los actores que trabajan en un solo área, por lo que realmente, para garantizar que pueda tener una carrera profesional en curso, debe asegurarse de poder trabajar en los tres medios. También hice trabajo de voz en off y voz de personajes y trabajé en la radio, ¡así que definitivamente no me he aferrado a una sola cosa!

En cuanto a escribir y dirigir para el escenario y la pantalla, una vez más, es un conjunto de habilidades diferente, pero disfruto el desafío y siempre aprendo de ambos medios, ¡que espero que mejore mi trabajo en general!

¿Cómo percibes la audiencia del cine, la televisión y el contenido digital? ¿Escribes exclusivamente para cada uno? ¿Existe una clara distinción?

No necesariamente escribo exclusivamente para ningún medio. En este momento tengo una serie web, una serie de televisión estándar y una película en diferentes etapas de desarrollo, por lo que soy bastante ecléctico en lo que escribo y para qué plataforma escribo. También soy dramaturgo. Pero creo que cada proyecto tiene una audiencia diferente, sin duda. Entonces, cualquier distinción sería “proyecto a proyecto” realmente. Pero no puedes escribir solo para tu audiencia; si lo haces, creo que dejas de ser auténtico. Escribo para mis personajes y para la historia que deseo contar.

También trabajo en documentales, lo que significa que estás en deuda con la historia y la estás contando con sinceridad, así que supongo que eso también influye en mi trabajo en el drama. Me encanta contar historias históricas en el drama y mostrar su relevancia para el día de hoy (y las lecciones que debemos recordar para que no repitamos los mismos errores) y verás que ese tema recorre gran parte de mi trabajo, sea cual sea el medio en que esté trabajando. Mi escritura de comedia tiende a ser contemporánea.

¿Podrías hablar sobre cómo empleas el humor como un medio para abordar temas difíciles y a menudo evitados? ¿Ves el humor como un medio eficaz para interactuar con la audiencia aunque sea con un tema difícil?

El humor siempre será la mejor manera de interactuar con una audiencia sobre temas difíciles, en mi opinión. Pero hay que tener cuidado de ser lo más inteligente posible. Tengo algunos amigos que trabajan exclusivamente en la comedia (ya sea escribiendo o interpretando) y siempre encuentra esa delgada línea entre ofensivo y divertido. Ser inteligente al respecto generalmente le ayudará a encontrar una manera de expresar su punto y hacer reír a la gente, incluso si sienten que no deberían serlo. ¡Es un arte! En lo que respecta a mi trabajo de actuación en esta área, si tienes un buen guión y interpretas al personaje con sinceridad, será divertido porque las personas reconocerán al personaje como alguien que conocen.

Al actuar, he tenido ciertas líneas en los guiones con las que inicialmente me siento incómoda, pero si puedo ver el punto que el escritor está haciendo o el tipo de persona que está enviando para hacer una declaración, entonces mi trabajo es encontrar la línea verdadera para el personaje: ¿por qué es esta persona como es? ¿Qué les hace sostener esta opinión? ¿Por qué piensan que está bien decir esto en voz alta? En la comedia, como en el drama, tienes que interpretar al personaje con sinceridad para que realmente funcione, y hacerlo en serio y de verdad. En el momento en que te echas a reír, estás muerto. No funcionará. Y la comedia es un reflejo de nuestro mundo tanto como lo es el drama: las personas tienden a usar el humor para superar el trauma en su vida cotidiana, en mi experiencia.

Cuéntanos acerca de Shakespeare Republic, que está en la segunda temporada ahora, ¿cómo fue tu experiencia haciendo la primera y cómo se recibió?

Me refiero cariñosamente a la República de Shakespeare como “El Experimento”. Principalmente porque comencé con la idea de tomar monólogos de Shakespeare y ponerlos en entornos contemporáneos, sin tener idea de cómo resultaría todo. Pero al referirme al proyecto de esta manera también significó que eliminé la presión del resultado y pude concentrarme en hacer el mejor trabajo posible. Como resultado, fue una experiencia verdaderamente alegre para mí. También pude trabajar con algunas de mis personas favoritas detrás y delante de la cámara, por lo que eso también ayudó enormemente a que fuera divertido y un viaje de exploración. Lo planteé como un desafío para mí misma como directora, así como para el escritor (adaptando las piezas al presente) y también como actriz, eligiendo interpretar un soneto como una pieza de actuación (que tradicionalmente no sucede, ya que el los sonetos son pura poesía, más que un discurso).

Una vez que terminamos de filmar y edité todos los episodios, de repente descubrí el maravilloso mundo de los sitios web. Hasta ese momento, no había sido consciente de que había un circuito de festivales en todo el mundo que atendía específicamente el contenido en línea de formato corto. Pero una vez que me di cuenta de que existían, comenzamos a ingresar esa primera temporada en una variedad de sitios web y festivales de cine tradicionales. Como Shakespeare Republic es una serie de antología, cada episodio también se puede ver como un cortometraje independiente, por lo que amplió nuestro alcance para la consideración del festival. La primera temporada terminó siendo seleccionada oficialmente para más de 30 festivales y ganó 9 premios, ¡lo cual fue increíble!

Esa primera temporada resultó en nuestro encargo de crear un cortometraje de Shakespeare, Speaking Daggers, que también escribí, dirigí y produje y actualmente está en el circuito de festivales de cine, y ya ganó un premio al Mejor Cortometraje en los Estados Unidos. Eso fue producido en conjunto con Independent Schools Victoria y actualmente estamos construyendo un programa alrededor de la película para llevar oficialmente a las escuelas secundarias de Victoria para ayudar a enseñar a Shakespeare en el plan de estudios, lo cual es emocionante.

También me contactó el Archivo Nacional de Cine y Sonido de Australia, a quien le gustaría adquirir oficialmente toda la serie de la República de Shakespeare para sus archivos para la posteridad, lo cual fue totalmente inesperado.

Formamos más de la mitad de la población mundial, por lo que parece absurdo que no tengamos más historias femeninas.

¿Podrías hablar sobre tu experiencia trabajando con mujeres? (Tanto como actriz como directora)

Con razón o sin ella, tiendo a no centrarme en el género de alguien cuando trabajo con ellos, ya sea en cámara o detrás de él, se trata más de su creatividad, personalidad y talento y de cómo son como ser humano que el género. Algunas mujeres con las que hago clic inmediatamente, otras no tanto, pero lo mismo ocurre con los hombres con los que he trabajado. Me siento cómoda trabajando con cualquier género, de verdad. En realidad, me han guiado principalmente hombres como cineasta, probablemente porque los hombres son tan dominantes en la dirección y producción en nuestra industria.  Afortunadamente, todos mis mentores masculinos han sido humanos brillantes, adorables y respetuosos y han apoyado mucho a las cineastas, lo cual sé que no siempre es así. Pero siempre busco incorporar mujeres a la tripulación cuando puedo, es un caso de pagar y asegurar que más mujeres tengan la oportunidad de obtener experiencia trabajando en la industria.

Dicho esto, soy muy consciente de tener la paridad de género cuando se trata del conjunto, por lo que siempre tenemos una proporción igual de mujeres y hombres en la pantalla de Shakespeare Republic, por ejemplo. Además, tiendo a escribir piezas pesadas para mujeres: mis dos obras son predominantemente femeninas y todos mis proyectos tienen protagonistas femeninas. Es en parte un caso de “escribe lo que sabes” y en parte una sensación de necesidad de ver a más mujeres en la pantalla y en el escenario conduciendo la historia. Formamos más de la mitad de la población mundial, por lo que parece absurdo que no tengamos más historias femeninas.

¿Quiénes son algunos de tus cineastas favoritos?

La primera película a la que recuerdo haber estado expuesta y que fue dirigida por una mujer es “My Brilliant Career”, dirigida por Gillian Armstrong y producida por Margaret Fink aquí en Australia en 1979. Fue protagonizada por Judy Davis y Sam Neill muy temprano en sus carreras y me enamoré de ella. También fue un drama histórico, adaptado de un libro de Miles Franklin (otra mujer), escrito en 1901 en Australia, por lo que puede haber influido en mi propia obsesión con las historias históricas. Lo vi aproximadamente una década después de que se hizo, en la escuela y probablemente fue la primera vez que pensé que tal vez podría trabajar en la industria del entretenimiento como mujer. ¡Ayudó que la historia fuera sobre una joven en el interior de Australia que quería ser escritora! Siempre me ha encantado el trabajo de Gillian Armstrong desde entonces. Es una narradora exquisita.

Otras cineastas que admiro mucho son Nora Ephron, Jane Campion, Patty Jenkins y Ava DuVernay, curiosamente todas con trabajos múltiples (directora / escritora / productora), que parece ser el caso de muchas mujeres que trabajan en el negocio y probablemente por qué no lo veo como un problema es que lo hago yo misma. ¡Estoy agradecida a todas ellas por allanar el camino para el resto de nosotras!

Entrevista hecha por :  VAISHNAVI SUNDAR (Women Making Films)